2017 IFA–ISLAA Symposium: Beyond the Symbolic: Art and Social Engagement in the Americas

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April 14–15, 2016

This event is part of the Latin American Forum and is generously sponsored by the Institute for Studies on Latin American Art.

In the aftermath of the 2016 US Presidential Election, Tania Bruguera issued the following call to artists: “The time for the symbolic has ended. Art is now a tool—not to make the system work better, but to change the system.” This symposium interrogates the relevance of merging art and politics in the Americas, especially in works that explicitly seek to resist political oppression, economic imperialism, and legacies of colonialism through public discourse. We aim to address not only contemporary works that marshal “relational aesthetics” at a moment of profound geopolitical crisis, but any intervention that has sought to target the body politic and yield political or social transformation. Less interested in quantifying the efficacy of such works, this symposium hopes to examine larger questions regarding the potential ability of artistic practice to produce concrete results—that is, the compatibility of art and activism. What constitutes success or failure? When, if at all, must art bear the burden of achieving sociopolitical change? For whom is this art produced, and to whom is it responsible? Might failure be a desired outcome?

Organized by IFA PhD candidates in Latin American art: Brian Bentley, Madeline Murphy Turner, Sean Nesselrode Moncada, Blanca Serrano Ortiz,and Juanita Solano Roa; in conjunction with Edward J. Sullivan.


AGENDA

Friday, April 14, 2017

6:00 pm Welcome and Opening Remarks

Edward Sullivan (Helen Gould Sheppard Professor in the History of Art, Institute of Fine Arts)

6:15 pm Keynote Lecture

Andrea Giunta (Tinker Visiting Professor, Columbia University, and Professor of Latin American Art, Facultad de Filosofía y Letras, Universidad de Buenos Aires) People, Mass, Multitude

Introduced by Sean Nesselrode Moncada (PhD candidate, Institute of Fine Arts)

7:45 pm Reception

 

Saturday, April 15, 2017

 9:00 am Panel 1: Alternative Structures

Moderated by Brian Bentley (PhD candidate, Institute of Fine Arts)

Pablo Santa Olalla (PhD candidate, Historia del Arte, Universitat de Barcelona) Not Only Mart Art: From “Inobjetual” Experiences to Performance. Clemente Padín, Performativity and Activism, 1971–1977

Amanda Suhey (PhD, Art, Art History and Visual Studies, Duke University) Gold Standards/Legacies of Failure

Jessica M. Law (PhD candidate, Department of Art History, Visual Art and Theory, University of British Columbia) All A are B, or No A is B, but what about C? Notes on Amalia Pica’s Diagrams

10:30 am Coffee and Tea

10:45 am Panel 2: Art/Action

Moderated by Blanca Serrano Ortiz (PhD candidate, Institute of Fine Arts)

Mya Dosch (PhD Candidate, Art History, The Graduate Center, City University of New York) Mobilizing the Aesthetics of Bureaucracy: Grupo Suma’s October 2, 1978 Interventions

Paulina Varas (Researcher and professor, Campus Creativo, Universidad Andrés Bello and Coordinator, CRAC Valparaíso, Chile) Desobedecer la Escena de Avanzada: Una lectura contextual de CADA en el Chile de los años ochenta

María del Carmen Montoya (Assistant Professor of Sculpture and Spatial Practices, Corcoran School of the Arts and Design, George Washington University) Ghana Think Tank: Creative Problem Finding on the US-Mexico Border

12:15 pm Lunch Break

1:30 pm Panel 3: Distributed Objects

Moderated by Madeline Murphy Turner (PhD candidate, Institute of Fine Arts)

Philomena López (PhD candidate, Art History, Theory and Criticism, University of California San Diego) Señor Suerte

Lorna Dillon (Associate Lecturer, Modern Languages, University of Kent) Textile Art, Collective Memory and Transitional Justice

Manuela Ochoa (Curator, Museo Nacional de la Memoria, Bogotá) When Memory Surrounded Justice

3:00 pm Coffee and Tea

3:15 pm Keynote Lecture

Coco Fusco (Andrew Banks Endowed Chair, College of the Arts, University of Florida) The Art of Intervention: Performance and the Cuban Public Sphere

Introduced by Juanita Solano Roa (PhD candidate, Institute of Fine Arts)

4:45 pm Closing Remarks Edward Sullivan (Helen Gould Sheppard Professor in the History of Art, Institute of Fine Arts)

Panel discussion: “The Uncanny Work of Leandro Erlich”

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March 29, 6:30pm

Andrea Giunta, author of exhibition catalogue essay “A Gap in the Limits of the Possible” and Professor of Latin American Art, Universidad de Buenos Aires will discuss the work of Argentinian artist Leandro Erlich, 2017 Roy R. Neuberger Exhibition Prize awardee with curators Helaine Posner and Patrice Giasson. Panelists will examine Erlich’s large-scale installation, Port of Reflections, his historical relevance, and themes of the uncanny and trompe l’oeil. The artist will join the final thirty minutes of the conversation via Skype for a Q&A with the audience.

Neuberger Museum of Art
735 Anderson Hill Road
Purchase, New York 10577

T 914 251 6100
www.neuberger.org

La solidez, el valor seguro de ARCO para 2018

La consolidación de la feria, junto a la activa participación de Argentina, lo más destacado para los expertos que se han dado cita en esta edición que hoy acaba

Una nueva edición de ARCO, a falta del día de hoy, llega a su fin. Tras una semana llena de movimiento por los pabellones de Ifema, toca hacer balance de todo lo acontecido. Directores de museos, comisarios, galeristas, artistas, críticos de arte se han dado cita en el recinto. En general, todos destacan la solidez de la feria y la calidad de las galerías y obras expuestas, así como la de las distintas actividades organizadas dentro y fuera de ella. La fuerte presencia de Argentina, país invitado este año y que ha movilizado un notorio número de galerías y obras de gran consideración, ha sido, del mismo modo, muy elogiada.

Atrás quedaron los años de crisis que repercutieron en el arte contemporáneo. Los expertos, ahora, destacan que, si bien la situación no es la mejor posible, se está volviendo a recuperar el panorama en España y ARCO se está eligiendo como referente de este resarcimiento. La 36ª edición de la feria de arte contemporáneo más importante de nuestro país ha servido, según el crítico Javier Montes, para confirmar que «ARCO ha recuperado el nivel. Ha habido buen ambiente y se está cogiendo la velocidad de crucero después del bache de la crisis». En concordancia, el director del CA2M (Centro de Arte Dos de Mayo), Manuel Segade, destaca que «el nivel de la feria es incuestionable. No sólo lo digo yo, también me lo confirman todos los extranjeros que se acercan».

Una buena evolución

El gran momento de ARCO deja un balance positivo que Segade espera que «contagie de optimismo el calendario del arte para el resto del año». Su solidez hace de la feria un valor seguro para la creación plástica de nuestro país. «Hay que admitir que aparte de ser una feria comercial, es un evento cultural. Se está entendiendo como la gran cita de arte contemporáneo en España», afirma Montes. Por su parte, Ferran Barenblit, director del MACBA (Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona), alaba la organización de esta edición. «El balance es muy positivo. Veo una feria muy sólida. Este año con particular elegancia en el uso de los espacios y las obras. En un mercado muy complejo, ARCO ha encontrado muy bien su lugar».

 Dentro de su evolución, Montes elogia que «ARCO ya no es una feria de sorpresas ni sobresaltos, sino consolidada». Para el futuro, el crítico de arte espera que se mejore el coleccionismo tanto local como nacional en España: «Es nuestra asignatura pendiente», considera. «La feria puede ayudar a que mejore el panorama general en términos de un coleccionismo más formado, deun abanico de galerías más variado. Si juega bien las cartas, ARCO puede lograr que en vez de que el mercado del arte se centre en una semana al año, se diversifique más, que las galerías de fuera de Madrid estén más representadas, que se recuperen aún más los lazos con Latinoamérica. Es lo que está haciendo actualmente, pero hay que darle tiempo para que cuaje», explica.

 

La vuelta a la tradicional invitación de un país –en 2016 no se hizo– ha sido otra de las grandes características en esta edición. Como ocurriera en 2015 con Colombia, la organización seleccionó a un país hispanoamericano, Argentina, como invitado. Para los expertos, la elección ha sido todo un acierto. Según éstos, la calidad de las galerías argentinas participantes, con obras de relevancia, y las exposiciones realizadas en distintos espacios de la ciudad ha subido el nivel de la cita considerablemente. «Me parece bien que se haya recuperado al país invitado», comenta la comisaria Virginia Torrente. Asimismo, espera que España dé mucha presencia a los países latinos porque «nuestro país es el lazo con Europa y el mundo. ARCO tiene que recuperar ese papel para ser la feria con más presencia latina del planeta».

Los destacados

Del mismo modo, Barenblit afirma que «todo lo que ha venido de Argentina es muy interesante». Pero si hay un nombre que ha destacado sobre el resto a la hora de cuestionar el papel del país sudamericano en Ifema, ha sido el de Jorge Macchi. La exposición Perspectiva, que se mantendrá hasta el próximo mes de junio y donde se muestran parte de sus grandes obras en el CA2M, ha recolectado los mayores elogios. «Es excepcional», subraya el director del MACBA. Esta muestra, traída desde el MALBA (Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires) «está siendo un éxito», explica su director, Agustín Pérez Rubio. «La oportunidad de poder enseñar a un artista de la talla de Macchi resalta los lazos de España con Latinoamérica en el mundo del arte», matiza.

Rubio, como voz autorizada del ejemplo de hermandad entre Argentina y España, muestra su satisfacción por los resultados obtenidos, asegurando que «ha sido un éxito tanto a nivel de selección de artistas y galerías, como de ventas». Durante esta semana se han presentado obras de históricos como Greco, Sakai o Mirtha Dermisache a jóvenes como Diego Bianchi, Juan Tessi o Nicolas Robbio, que han puesto de manifiesto la incuestionable calidad argentina. El elenco presentado por este país, para el director del MALBA, ha sido clave para la gran atención mostrada por parte del público y de diversas instituciones. «Con todos los que he hablado han mostrado su satisfacción por la propuesta de nuestras galerías en ARCO».

Pero no sólo Argentina ha centralizado los focos en esta edición. Para Torrente, artistas españoles como Jorge Perianes en la galería Max Estrella, los trabajos nuevos de Carlos Irijalba en la de Moisés P. de Albéniz o de Miguel Ángel Tornero en Juan Silió –del que comisaría una exposición en el DA2 de Salamanca– también han destacado durante la semana. Del extranjero, aclama a la galería israelí DVIR, donde presentan trabajos de Simon Fujiwara y de Ariel Schlesinger, y la galería brasileña de Luciana Brito, que ha traído a la feria un gran conjunto de obras históricas de vanguardia.

En cuanto a las actividades, los Foros de Coleccionismo moderados por la comisaria española Estrella de Diego han tenido una gran acogida. «Es interesante oír a coleccionistas en primera persona y de una forma muy sincera por qué coleccionan, algo muy diferente del coleccionismo institucional. Me gustó mucho porque así se puede entender mejor cómo funciona una feria de coleccionismo», comenta Barenblit.

ABC Cultura – F. JORGE AGUILAR Madrid

http://www.abc.es/cultura/cultural/abci-solidez-valor-seguro-arco-para-2018-201702251831_noticia.html

ARTEINFORMADO: Informe 100 Activos Coleccionistas de Arte Latinoamericano

Ayer se presentó en la sala Fundación ARCO de la feria madrileña el informe, elaborado por ARTEINFORMADO, sobre “100 Activos Coleccionistas de Arte Latinoamericano“, entre los que están los principales artífices de la visibilidad internacional conseguida por el arte latinoamericano en los últimos años. La veintena de mujeres que figuran individualmente en el informe, a las que se suma otra docena que coleccionan junto a sus parejas masculinas, ejercen, pese a estar en minoría, un papel protagonista en la difusión del arte de la región. Entre ellas sobresalen Patricia Phelps de Cisneros -presente en el acto, junto a otra veintena de coleccionistas- o Tanya Carriles.

El informe también recoge que la mitad de estos coleccionistas participan en los los patronatos, consejos asesores o comités de compras de los más importantes museos o instituciones nacionales e internacionales, entre los que figuran museos como la Tate, el MoMA, el Guggenheim o el Reina Sofía. Y que nueve de estos coleccionistas han creado en los últimos años sus propios museos, desde donde ejercen una eficaz labor de difusión del arte de la zona. Jumex en México, MALBA y MACBA en Buenos Aires e Inhotim en Brasil son sus nombres más emblemáticos. Y, por último, que al menos diez de estos coleccionistas superan el millar de obras y otros tantos se acercan al millar. El informe, que puede descargarlo desde este enlace, recoge también las entrevistas realizadas a 14 de ellos, donde explican cómo han montado sus colecciones.

La conversación que, bajo el título de “¿Cómo ser coleccionista de arte hoy?“, siguió a la presentación del Informe, fue protagonizada por Gabriel Pérez-Barreiro, Curador-Jefe de la Colección Patricia Phelps de Cisneros (CPPC) y Ariel Aisiks, coleccionista, filántropo y creador del  Institute for Studies on Latin American Art (ISLAA) y se centró en enfocar el legado del artista como una prioridad, dentro de un contexto, como insistió Pérez-Barreiro, de “no competir, de tratar de generar alianzas entre las instituciones que ya existen”.

A partir del libro “Jaime Davidovich en conversación con Daniel R. Quiles“, que se anunció casi en primicia en este acto aunque su presentación oficial se hará en el MoMA dentro de unos meses, Ariel Aisiks fue desgranando, a preguntas de Gabriel Pérez-Barreiro, detalles sobre su biografía (descendiente de emigrantes rusos a Argentina, que han sido coleccionistas y filántropos desde hace décadas), su actual actividad (una estrecha relación con la academia y la investigación), sus objetivos (“aspiro a tratar de mostrar unos caminos, a inspirar a otra gente con nuestro ejemplo y cooperar con otros coleccionistas que quieran hacer lo mismo”) y sugerencias (“consulten Vds. en su relación con los artistas si tienen un plan de legado, qué van a hacer con sus documentos, con sus obras, el legado del artista también afecta al patrimonio de los coleccionistas, afecta al valor académico, emocional y también económico”.

Y todo ello lo hizo desde el relato de su propia experiencia. Como coleccionista de arte y filántropo ha tratado de recuperar el patrimonio histórico del arte a través de coleccionar documentos, catálogos históricos, documentación, fotografías y especialmente afiches, carteles, posters, después de darse cuenta de que muchos de los artistas diseñaban los carteles o los posters de sus propias muestras, lo que les convertía en un documento, en una obra histórica. “Trato de relacionar toda la historia del arte a través de la documentación, espercialmente a través de los posters, que cuentan una historia activa de lo que pasó en esos momentos, me di cuenta de que estos objetos eran muy importantes para la historia del arte latinoamericano”, concluyó.

Su relación con la academia la explicó a partir de una presentación que escuchó, en 2008, de Michael Porter en Harvard, cuando, tras hacer un análisis sobre la competitividad de las empresas en los EE.UU., concluía que el sistema universario era el factor diferencial más importante del mundo empresarial de los EE.UU y “en ese momento pensé -recuerda Ariel_ que no tenía sentido replicar la infraestructura”. Empezó entonces a acercarse a las universidades, con el apoyo -recuerda- de Mauro Herlitzka -”muy importante en los primeros años del ISLAA”, reconoce-, y “nos dimos cuenta de que había muy poco apoyo al arte latinoamericano, y que los estudiantes de origen americano tenían mucho interés en estudiar en América Latina”, lo que evidenciaba la existencia de un campo muy fertil para armar esas relaciones. Y se armaron “en un proceso de creación destructiva” parafraseando al economista austriaco Joseph Schumpeter. Originalmente se daban becas para que los estudiantes latinoamericanos acudieran a EE.UU. Luego se hicieron simposium con el profesor Edward J. Sullivan de la Universidad de Nueva York, creando lo que se llama “Latin American Forum“, que son una serie de 10 a 12 conferencias anuales, de conversaciones entre artistas, curadores y público en Nueva York. Y más recientemente, se trabaja con estudiantes americanos que viajan a Latinoamerica a hacer sus presentaciones sobre determinadas escenas, como una que dirige el profesor Alexander Alberro de la Universidad de Columbia sobre la escena cubana.

Y de ahí a los statement de los artistas. Le señala Gabriel que “en el mercado del arte se está hablando de los states de los artistas como la próxima frontera del mercado y su profesionalización”. Y recuerda Ariel la recuperación, casi in extremis, del legado del artista argentino Jaime Davidovich, fallecido en agosto de 2016. Reconocen ambos que el caso de Jaime es un ejemplo más de tantos artistas al borde su desaparición, de archivos que se pierden, se dividen,… En este caso no será así, ya que Jaime decidió en su testamento que la Fundación ISLAA se haría cargo tanto de sus archivos como de sus obras de arte. “Tenemos pues la función de conseguir que el legado de Jaime sea conocido no sólo por los coleccionistas, sino también por los museos e historiadores”, recuerda Ariel, tras señalar que, después de conocer a Jaime -un hombre presente en todos los eventos de Nueva York, que siempre tenía su casa abierta, que vivía en Nueva York desde 1961, que era tan inteligente que vivía de las becas a las que aplicaba, que podría ser considerado como uno de los inventores del videoarte- le dijo que “esto lo tenemos que contar”. Y ahí fue donde germinó la semilla de lo que terminó siendo el libro antes referido realizado, con la colaboración de la Fundación Cisneros, por el hoy profesor en Chicago Daniel R. Quiles y tras haber conseguido armar una exposición en 2015 en el Museo del Bronx comisariada por Julieta Gonzalez. Y recuerda aquí Ariel que esta actuación se enmarca dentro de una corriente que ya está bastante generalizada en EE.UU., donde, por ejemplo, The Aspen Institute viene trabajando en la organización de la sucesión de los artistas desde hace 10 años, y también en Europa, donde recientemente se ha creado en Berlín el llamado The Institute for Artist’s States, que hizo unas conferencias el año pasado sobre estos temas. Y aquí interpeló a los coleccionistas presentes para “que se den cuenta de que el conocimiento que tiene el coleccionista, desde el punto de vista de archivo de obra, de inventario de obra, seguro, catalogación de obra es totalmente aplicable a los artistas, el know how ya existe en los coleccionistas, ¿por qué no aplicarlo a los artistas?, nos ayuda a todos a que el arte latinoamericano tenga una mayor inserción en el arte global”, concluyó.

JAIME DAVIDOVICH IN CONVERSATION WITH / EN CONVERSACIÓN CON DANIEL R. QUILES

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Coming soon in February 2017

This 10th publication from the bi-lingual CONVERSACIONES/CONVERSATIONS series is a co-production between Colección Patricia Phelps Cisneros & Institute for Studies on Latin American Art, ISLAA

Jaime Davidovich (1936–2016) was an Argentine-American video/television-art pioneer and conceptual artist who was at the very forefront of many innovations that we now, through the lens of history, recognize as well-established forms in art and mass media. As a fixture of the SoHo-based experimental art scene of the 1970s and 1980s, Davidovich worked in a broad variety of media throughout his long career, including video, painting, and installation, while also establishing himself as an activist and public-access television producer. His weekly variety program, The Live! Show (1979–1984) featured performances, appearances, and interviews with artists such as Laurie Anderson, Eric Bogosian, Tony Oursler, and Michael Smith, among many others, while other video works included appearances by his friend, the artist Stuart Sherman. Never one to eschew conventions found in the mainstream, Davidovich instead embraced a postmodernist’s eclecticism, an intuitive methodology, and a dynamic and humorous aesthetic. Indeed, his TV alter ego, Dr. Videovich presaged Stephen Colbert’s onscreen fictional and satirical news anchor by over two decades.

In this lively conversation with scholar Daniel R. Quiles—the tenth installment of the Conversaciones series—Davidovich recounts his early years in postwar Argentina, the coup d’état in 1963 that led to his relocation to New York City, and his long, fascinating, and highly influential career as a visual artist.

Directions in Modern and Contemporary Latin American Art: Columbia’s Seminar Poster

Directions Poster

 

Diseñado por Santiago Pol. Nació el 19 de enero de 1946 en Cardereu, Barcelona, España. Llegó a Venezuela en 1954. Realizó su formación artística y académica en la Escuela Cristóbal Rojas en Caracas y en la Escuela Superior de Bellas Artes en París, Francia. Perteneció a grupos de arte de la vanguardia en Venezolana del siglo veinte como El círculo del pez dorado, Ocho peces dentro del pez, Taller experimental de arte y Taller doce. Durante esta etapa compartió con otros artistas como Oscar Vásquez y Víctor Hugo Irazábal. También estuvo relacionado a los maestros Alirio Palacios, Víctor Valera y Jacobo Borges. En Francia entró en contacto con Carlos Cruz Diez, Hugo de Marco y Víctor Vasarely. Por varios años trabajó en el diario El Nacional y en el Consejo Nacional de la Cultura (CONAC). En esta institución, que inicialmente se llamaba el INCIBA, desarrolló un importante cuerpo de trabajo vinculado al diseño de carteles desde el año 1968. A la par realizó un importante trabajo gráfico con el diseño de libros, portadas de discos para músicos como Yordano Di Marzo, Dimensión Latina y Serenata Guayanesa; revistas y logotipos entre otros. En 1978, junto a Nedo Mion Ferrairo, Álvaro Sotillo y Gerd Leufert participó en la creación de La nueva estampilla venezolana. El trabajo de Pol se ha exhibido en distintas ciudades de Venezuela y en países como Brasil, Cuba, Argentina, México, Colombia, Inglaterra, Francia, Alemania, Italia, Japón, Estados Unidos y Finlandia. Ha participado en diversas exposiciones colectivas y en las más importantes Bienales dedicadas al cartel celebradas en Polonia, Estados Unidos, Finlandia, República Checa, Japón, Italia, entre otros. La exposición individual de carteles más importante fuera de Venezuela fue la de Afiches Venezolanos en el Palacio de Louvre, Museo de Artes Decorativas, París, 1991. En 50 años de trabajo ha elaborado más de 500 carteles y ha sido ganador de premios como la Paloma de Oro al Mejor Afiche en el Festival de Cine en Leipzig, Alemania; Premio al Mérito en la Sexta exposición Club de Directores de Arte de Nueva York; Mención honorífica en la VI Bienal de Afiches Varsovia; Medalla de Bronce en la Trienal de Afiches de Toyama, Japón, entre otros. Sus carteles forman parte de las colecciones de artes gráficas del Museo Carlos Cruz Diez en Caracas, MOMA en Nueva York, Museo de Artes Decorativas y del Afiche en el Palacio de Louvre en París, Israel Museum en Jerusalem, Museo del Afiche de Polonia y la National Library de Washington entre otros. Representó a Venezuela en la Bienal de Venecia en 2005 con la Muestra Color, Amor y Calor de la Pequeña Venecia. Pol es también Premio Nacional de Artes Plásticas 2001 y miembro de Alliance Graphique Internationale (AGI) desde 1997. Es Embajador de Buena Voluntad del CELAM en Venezuela y de la Universidad de Palermo en Argentina. Realizó en el año 2014 la serie de murales Valores en tránsito en la Universidad Católica Andrés Bello y en el 2016 la Sala Mendoza le realizó una gran muestra de los carteles diseñados durante cinco décadas. Su nombre ha estado asociado a grandes diseñadores como Shigeo Fukuda, Milton Glaser, Roman Cieslewicz, Jukka Veistola, Niklaus Troxler, Pablo Azcuy, Nedo Mion Ferrario y Gerd Leufert entre otros. Ha trabajado como docente en prestigiosas instituciones y ha dado conferencias en distintas partes del mundo. En el año 2015 la Organización Cato Brand Partners lo seleccionó entre los 250 mejores diseñadores del mundo.

2017 IFA–ISLAA Symposium: Call for Papers

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Institute of Fine Arts, New York University

April 14–15, 2017

Deadline: January 20, 2017

 

2017 IFA–ISLAA Symposium

Beyond the Symbolic: Art and Social Engagement in the Americas

 

CALL FOR PAPERS

 

The Institute of Fine Arts and the Institute for Studies on Latin American Art are pleased to announce the second annual IFA–ISLAA symposium for emerging scholars. “Beyond the Symbolic: Art and Social Engagement in the Americas” will be held in New York on April 14–15, 2017. The symposium will include keynote lectures by Coco Fusco and Andrea Giunta.

 

In the aftermath of the 2016 US Presidential Election, Tania Bruguera issued the following call to artists: “The time for the symbolic has ended. Art is now a tool—not to make the system work better, but to change the system.” Recent political shifts have exposed the distrust that many feel for “the system” and the lengths that many will go to in the name of change. Across the globe, it has become clear that fantasies for the future can actually become an obstacle to achieving that very goal. We must ask: when does the desire for success become harmful, and how might failure reveal the realities experienced by the body politic? Furthermore, can artistic practice effectively engage with these phenomena?

 

A great deal of the discourse surrounding the art of the Americas has identified a seemingly inherent basis in the political. Whether taking the form of muralism in Mexico to enact revolutionary change, conceptual acts of public dissidence such as Tucumán Arde in Argentina and the interventions of the Colectivo Acciones de Arte (CADA) in Chile, or recent indictments of political violence in the work of Doris Salcedo, to name but a few examples, the lines between public controversy, state censorship, and public indifference have largely dissolved. Nonetheless, a cautious hope and a revitalized awareness of the importance of art and public action appear imperative as never before.

 

This symposium interrogates the relevance of merging art and politics in the Americas, especially in works that explicitly seek to resist political oppression, economic imperialism, and legacies of colonialism through public discourse. We aim to address not only contemporary works that marshal “relational aesthetics” at a moment of profound geopolitical crisis, but any intervention that has sought to target the body politic and yield political or social transformation. Less interested in quantifying the efficacy of such works, this symposium hopes to examine larger questions regarding the potential ability of artistic practice to produce concrete results—that is, the compatibility of art and activism. What constitutes success or failure? When, if at all, must art bear the burden of achieving sociopolitical change? For whom is this art produced, and to whom is it responsible? Might failure be a desired outcome?

 

Possible topics may include but are not limited to

 

  • The politics of failure
  • State censorship and models of resistance
  • The risks of optimism
  • Difference and empathy
  • The ethical use of relics of violence
  • Ephemeral art and its afterlives
  • Parody, satire, and humor
  • Ritual and public performance
  • The ideologies of “apolitical” art and social apathy
  • Media interventions and guerilla tactics
  • New media as a pathway to new audiences
  • Surveillance and subterfuge
  • “Culture wars,” state funding, and standards of decency
  • Curatorial initiatives and counter-histories (e.g. Red conceptualismos del sur)
  • Reception history and historical reevaluation

 

Current graduate students, recent graduates, and emerging scholars are invited to apply. Applicants from fields outside the realm of art history are highly encouraged (e.g. Cinema and Media Studies, Performance Studies, Latin American and Latinx studies, Cultural Studies, History). Papers in languages other than English will be taken into consideration.

 

To apply, please submit an abstract of up to 300 words to symposium@islaa.org by Friday, January 20, 2017. Applicants will be notified of their acceptance by Monday, February 13, 2017. Presentations will be limited to 20 minutes, with additional time for discussion. In your application, please indicate your current institutional affiliation and from where you will be traveling. Limited funding will be available to assist with travel expenses.

 

This symposium is part of the Latin American Forum. Generously funded by theInstitute for Studies on Latin American Art (ISLAA) and coordinated by Professor Edward J. Sullivan, Helen Gould Sheppard Professor in the History of Art, the Forum invites distinguished visiting lecturers to the IFA to foster greater understanding and recognition of Latin American art around the world. The symposium is organized by current IFA PhD candidates Brian Bentley, Madeline Murphy Turner, Sean Nesselrode Moncada, and Blanca Serrano Ortiz de Solórzano, and Juanita Solano Roa.

 

For further information or with any questions, please contact symposium@islaa.org.

 

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 2017-IFA-ISLAA-Symposium-SP

Institute of Fine Arts, New York University

14 y 15 de abril de 2017

Fecha límite para el envío de propuestas: 20 de enero de 2017

 

Simposio IFA–ISLAA 2017

Más allá de lo simbólico: arte y compromiso social en las Américas

 

Convocatoria para el envío de propuestas

 

El Institute of Fine Arts y el Institute for Studies on Latin American Art se complacen en anunciar el segundo simposio anual IFA-ISLAA para jóvenes investigadores. “Más allá de lo simbólico: arte y compromiso social en las Américas” tendrá lugar los días 14 y 15 de abril de 2017 en Nueva York. El simposio contará con dos conferencias magistrales dictadas por Coco Fusco y Andrea Giunta.

 

A raíz del resultado de las elecciones presidenciales de Estados Unidos en 2016, Tania Bruguera hizo el siguiente llamamiento a los artistas: “El tiempo para lo simbólico ha terminado. El arte es hoy una herramienta, no para que el sistema funcione mejor, sino para cambiarlo.” Los recientes acontecimientos políticos han revelado la desconfianza que muchos sienten hacia “el sistema” y lo lejos que éstos pretenden llegar en nombre de tal cambio. A lo largo y ancho del mundo se ha hecho evidente que imaginar acerca del futuro puede, de hecho, convertirse en un obstáculo a la hora de alcanzar un objetivo. Debemos, entonces, preguntarnos: ¿Cuándo pasa el ansia de éxito a convertirse en algo dañino? ¿Y cómo puede el fracaso desvelar las realidades que experimenta el cuerpo político? Más aún, ¿puede la práctica artística involucrarse de manera eficaz en estos fenómenos?

 

El discurso generado alrededor del arte de las Américas con frecuencia ha estado basado en la identificación de un elemento político aparentemente inherente al arte de esta zona. Ya sea tomando la forma del muralismo en México para promulgar un cambio revolucionario, o a través de acciones conceptuales de disidencia ciudadana, como Tucumán Arde en Argentina y las intervenciones del Colectivo Acciones de Arte (CADA) en Chile, o en las recientes denuncias de violencia política en la obra de Doris Salcedo, por mencionar tan sólo algunos ejemplos, las fronteras entre la controversia pública, la censura estatal y la indiferencia generalizada, en gran medida han quedado disueltas. Sin embargo, la esperanza cautelosa y una revitalización de la conciencia acerca de la importancia del arte y de la acción pública parecen más imperiosas que nunca.

 

Este simposio interroga la relevancia de la unión entre arte y política en las Américas, especialmente en obras que explícitamente buscan resistirse a la opresión política, al imperialismo económico y a los legados del colonialismo en el discurso público. El simposio pretende abordar no sólo obras contemporáneas organizadas en torno a la idea de una “estética relacional” durante un periodo de profunda crisis geopolítica, sino también cualquier tipo de intervención que haya buscado dirigirse al cuerpo político con el fin de provocar una transformación política o social. Más que orientado a cuantificar la eficacia de esta clase de obras, este simposio aspira a examinar preguntas más amplias en relación a la capacidad potencial del arte para producir resultados concretos – esto es, la compatibilidad entre el arte y el activismo. ¿Qué constituye el éxito y el fracaso? ¿En qué momento, llegado el caso, debe el arte asumir la carga de lograr un cambio socio-político? ¿Para quién se crea este tipo de arte y de quién es este arte responsable? ¿Puede el fracaso constituir un resultado deseado?

 

Algunos temas posibles incluyen, pero no se limitan a:

 

  • Las políticas del fracaso
  • Censura de Estado y modelos de resistencia
  • Los riesgos del optimismo
  • Diferencias y empatía
  • El uso ético de los restos de la violencia
  • Las posibles vidas del arte efímero
  • Parodia, sátira y humor
  • Ritual y performance públicos
  • Las ideologías del arte “apolítico” y de la apatía social
  • Intervenciones del medio y tácticas de guerrilla
  • Nuevos medios para alcanzar nuevas audiencias
  • Vigilancia y subterfugio
  • “Guerras culturales,” financiación estatal y estándares de decencia
  • Iniciativas curatoriales y contra-historias (e.g. Red conceptualismos del sur)
  • Historia de la recepción y de la reevaluación histórica

 

Estudiantes de postgrado, recién graduados e investigadores emergentes están invitados a postularse. Académicos que trabajen fuera del ámbito de la historia del arte (por ejemplo, cine y ciencias de la información, estudios de performance, estudios latinoamericanos y Latinx, estudios culturales e historia) también serán bienvenidos. Aquellas propuestas presentadas en otro idioma que no sea el inglés serán así mismo consideradas.

 

Para postularse, por favor enviar una propuesta de máximo 300 palabras a symposium@islaa.org antes del viernes 20 de enero de 2017. Los candidatos serán notificados acerca de su aceptación a partir del lunes 13 de febrero de 2017. Las presentaciones deberán limitarse a 20 minutos y habrá tiempo adicional para el debate. Por favor, indicar en la propuesta su afiliación institucional actual, así como el lugar desde donde viajará en caso de ser aceptado para participar en la conferencia. Existen fondos limitados disponibles para los costos de viaje.

 

Este simposio es parte del Latin American Forum. Generosamente financiado por elInstitute for Studies on Latin American Art (ISLAA) y coordinado por el Doctor Edward J. Edward J. Sullivan, Helen Gould Sheppard Professor in the History of Art, el Forum invita a distinguidos académicos a presentar su trabajo en el IFA con el fin de fomentar una mayor comprensión y reconocimiento del arte latinoamericano en todo el mundo. El simposio está organizado por los candidatos a doctorado del IFA Brian Bentley, Madeline Murphy Turner, Sean Nesselrode Moncada, Blanca Serrano Ortiz de Solórzano y Juanita Solano Roa.

 

Para más información y consultas, por favor póngase en contacto con nosotros a través de: symposium@islaa.org.

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2017-IFA-ISLAA-Symposium-PT

Institute of Fine Arts, New York University

14 e 15 de abril de 2017
Data limite para envio da candidatura: 20 de janeiro de 2017

 

Simpósio IFA-ISLAA 2017

Para além do simbólico: Arte e compromisso social nas Américas

 

CHAMADA PARA TRABALHOS

 

O Institute of Fine Arts e o Institute for Studies on Latin American Art, têm o prazer de anunciar o segundo simpósio anual IFA-ISLAA para jovens pesquisadores. “Para além do simbólico: Arte e compromisso social nas Américas” ocorrerá em Nova Iorque, nos dia 14 e 15 de abril de 2017. O simpósio contará com duas palestras inaugurais de Coco Fusco e Andrea Giunta.

 

À vista dos resultados da eleição presidencial de 2016 nos Estados Unidos, Tania Bruguera fez o seguinte chamado aos artistas: “O tempo para o simbólico terminou. A arte é agora uma ferramenta—não para fazer o sistema funcionar melhor, mas para mudá-lo.” Mudanças políticas recentes expuseram a desconfiança que muitos sentem pelo “sistema” e as distâncias que muitos percorrerão em nome da mudança. Ao redor do globo, tornou-se claro que fantasiar sobre o futuro pode, na verdade, se tornar um obstáculo para alcançar a tal mudança. Devemos então questionar: quando o desejo pelo sucesso se torna algo perigoso? E como pode o fracasso revelar as realidades experienciadas pelo corpo político? Além disso, pode a prática artística engajar-se efetivamente com esse fenômeno?

 

Grande parte do discurso em torno da arte das Américas identificou uma base aparentemente inerente à política. Seja tomando a forma do muralismo no México para performar uma mudança revolucionária, atos conceituais de dissidência pública como a Tucumán Arde na Argentina, sejam as intervenções do Colectivo Acciones de Arte (CADA) no Chile, ou as recentes denúncias de violência política presentes no trabalho de Doris Salcedo, para nomear apenas alguns exemplos, os limites entre controvérsia pública, censura estatal, e indiferença generalizada, dissolveram-se grandemente. Não obstante, uma esperança cautelosa e uma consciência revitalizada sobre a importância da arte e da ação pública aparecem imperativas como nunca antes.

Esse simpósio interroga a relevância da união entre arte e política nas Américas, especialmente em obras que buscam explicitamente resistir à opressão política, ao imperialismo econômico, e aos legados do colonialismo através do discurso público. O simpósio procura abarcar não somente obras contemporâneas organizadas em torno da idéia de uma “estética relacional” em um momento de profunda crise geopolítica, mas também qualquer intervenção que busque atingir o corpo político e produza transformações políticas ou sociais. Menos interessado em quantificar a eficácia desses trabalhos, o simpósio espera examinar questões maiores referentes a capacidade potencial da arte em produzir resultados concretos – isso é, a compatibilidade entre a arte e o ativismo. O que constitui o êxito e o fracasso? Em que momento, se for o caso, deve a arte carregar o fardo de alcançar mudanças sociopolíticas? Para quem esse tipo de arte é produzida, e por quem é ela responsável? Pode o fracasso constituir o resultado desejado?

 

Temas possíveis podem incluir, mas não limitam-se a:

 

  • A política do fracasso
  • Censura estatal e modelos de resistência
  • Os riscos do otimismo
  • Diferença e empatia
  • O uso ético de relíquias da violência
  • Arte efêmera e suas vidas possíveis
  • Paródia, sátira e humor
  • Ritual e performance pública
  • As ideologias da arte “apolítica” e a apatia social
  • Intervenção midiática e táticas de guerrilha
  • Novos meios para alcançar novas audiências
  • Vigilância e subterfúgio
  • “Guerras culturais”, financiamento estatal, e padrões de decência
  • Iniciativas curatoriais e contra-histórias (p. ex. Red conceptualismos del sur)
  • História da recepção e reavaliação histórica

 

Pós-graduandos, recém graduados, e jovens pesquisadores, são convidados a se inscreverem. Candidatos de áreas fora do campo da História da Arte (p. ex. Cinema, Estudos de Mídia, Estudos de Performance, Estudos da América Latina e Latinxs, História, Estudos Culturais) são fortemente encorajados a se inscreverem. Trabalhos em outro idioma que não seja o inglês, serão levados em consideração.

 

Para candidatar-se, por favor envie um resumo de seu trabalho com no máximo 300 palavras para symposium@islaa.org, até sexta-feira, dia 20 de janeiro de 2017. Os candidatos serão notificados de suas aprovações na segunda-feira, dia 13 de fevereiro de 2017. As apresentações terão o limite de 20 minutos de duração, com tempo adicional previsto para discussão. Em sua candidatura, por favor indique sua afiliação institucional atual e de onde estará viajando. Contaremos com um fundo limitado para gastos de viagem.

 

Esse simpósio é parte do Latin American Forum. Generosamente financiado pelo Institute for Studies on Latin American Art (ISLAA) e coordenado pelo Professor Edward J. Sullivan, Helen Gould Sheppard Professor in the History of Art, o Fórum convida os distintos acadêmicos visitantes a apresentarem seus trabalhos no IFA a fim de fomentar um maior entendimento e reconhecimento da arte latino-americana pelo mundo. O simpósio é organizado pelos atuais candidatos ao doutorado do IFA, Brian Bentley, Madeline Murphy Turner, Sean Nesselrode Moncada, Blanca Serrano Ortiz de Solórzano, e Juanita Solano Roa.

 

Para mais informações ou questionamentos, por favor contate-nos: symposium@islaa.org.

 

 

 

WALTERCIO CALDAS AND ARIEL JIMÉNEZ AT NYPL

NOVEMBER 16, 2016

The Space Between Things: A Conversation with Waltercio Caldas

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Cover of Waltercio Caldas in conversation with/en conversación con Ariel Jiménez

 This event will be livestreamed.

Wednesday, November 16, 2016
6:00–7:30 pm
The New York Public Library
Stephen A. Schwarzman Building, Celeste Auditorium
476 Fifth Avenue
New York, NY 10018

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The Colección Patricia Phelps de Cisneros (CPPC) has published the ninth book in its acclaimed bilingual publication series Conversations/Conversaciones. To present Waltercio Caldas in Conversation with/en conversación con Ariel Jiménez, the CPPC has invited the Brazilian artist Waltercio Caldas and the Venezuelan writer, curator and art historian, Ariel Jiménez to share their reflections with the NYPL public for their Art Talks series. They are joined by Director and Chief Curator of the CPPC, Gabriel Pérez-Barreiro, a specialist on the artist’s work and career who recently curated a solo show of Caldas’ work at the Blanton Museum of Art, Pinacoteca do Estado de São Paulo, and Fundação Iberê Camargo.

Waltercio Caldas occupies a key role in the generation that bridges the innovations of the Concrete and Neo-Concrete artists of the 1950s/60s and today’s contemporary artists. Often simple in composition, the art of Waltercio Caldas invites a host of complex questions about perception and space. The conversation between Jiménez, Caldas, and Pérez-Barreiro will cover more than five decades of artistic production of one of Brazil’s most recognized contemporary artists. One of the issues discussed will be the challenges involved in representing the visual arts through photography and the printed page.

Waltercio Caldas was born in Rio de Janeiro in 1946. He has had solo exhibitions at the Museum of Modern Art in Rio de Janeiro, the Blanton Museum of Art at the University of Texas at Austin, the Kanaal Art Foundation in Belgium, the Stedelijk Museum in Amsterdam, the Gulbenkian Foundation in Lisbon, the Centro Galego de Arte Contemporaneo in Santiago de Compostela, and the Christopher Grimes Gallery in Santa Monica, among other venues. Caldas participated in the Venice Biennial in 1997 and 2007, as well as several São Paulo and Mercosul Biennials in Brazil. His work is in collections around the world, including those of the Museum of Modern Art, New York; the Blanton Museum of Art at the University of Texas at Austin; the National Gallery of Art, Washington, D.C.; the Museum of Modern Art, São Paulo; the Coleccion Patricia Phelps de Cisneros, Caracas and New York; and the Bruce and Diane Halle Collection, Scottsdale.

Ariel Jiménez is an historian and curator of modern and contemporary art. He has curated numerous exhibitions in public and private institutions in Venezuela, Latin America, and the United States. He was Director of the Education Department at the Museo de Arte Contemporáneo de Caracas (1984–1986); General Director of the exhibition hall at Fundación Eugenio Mendoza in Caracas (1989–1997); Chief Curator at Colección Patricia Phelps de Cisneros (1997–2011); and Director of Museo de Arte Moderno Jesús Soto in Ciudad Bolívar (2004–2006). Currently, he works as Independent Curator and Advisor for the Colección Ignacio y Valentina Oberto in Caracas. He is a widely published author whose titles include: Soto, a monograph (Caracas: Fundación Jesús Soto and Fundación Banco de Venezuela, 2007); Alfredo Boulton y sus contemporáneos. Diálogos críticos en el arte venezolano. 1912–1974 (New York: MoMA and Fundación Cisneros, 2010) and four titles in the Conversaciones/Conversations series with Carlos Cruz-Diez (2010), Jesús Soto (2001 & 2011), Ferreira Gullar (2011); and this latest with Waltercio Caldas (2016).

Gabriel Pérez-Barreiro has been Director of the Colección Patricia Phelps de Cisneros, New York and Caracas, since 2007. From 2002 to 2007 he was Curator of Latin American Art at the Blanton Museum of Art, the University of Texas at Austin. Prior to that he was Director of Visual Arts at the Americas Society, New York, and Founding Curator of the University of Essex Collection of Latin American Art in Colchester, England. He holds a PhD in Art History and Theory from the University of Essex, and an MA in Latin American Studies and Art History from the University of Aberdeen. In 2007 he was chief curator of the 6th Mercosul Biennial in Porto Alegre, Brazil. Dr. Pérez-Barreiro has published extensively on modern and contemporary art from Latin America, including María Freire (São Paulo: Cosac & Naify, 2001); editor and contributor, The Geometry of Hope: Latin American Abstract Art from the Patricia Phelps de Cisneros Collection (Austin: Blanton Museum of Art, 2007); and contributor to Waltercio Caldas (Austin: Blanton Museum of Art, 2014). To the Conversaciones /Conversations series he has contributed Gyula Kosice in conversation with/en conversación con Gabriel Pérez-Barreiro.

For more information:  http://bit.ly/2e6iRJT